音乐学论文写作（优秀6篇）

在现实的学习、工作中，大家都写过论文吧，论文是对某些学术问题进行研究的手段。你所见过的论文是什么样的呢？下面是白话文的小编为您带来的音乐学论文写作（优秀6篇），希望能够给予您一些参考与帮助。

扬琴演奏的音乐美之来源 篇一

扬琴属于击弦奏鸣乐器，传入后经过几百年的演变发展，最终形成了以多种技法存在的中国传统民族乐器。技法的多样和技术的完善，使扬琴在民族乐器中占有一席之地，在世界扬琴体系中也作为三大体系之一而存在。扬琴演奏艺术是演奏者通过大脑的思维和肢体运动相结合，运用演奏技巧和音乐表演技巧来塑造音乐形象，表达音乐内涵。那么，扬琴音乐仅仅只靠技术技法就可充分表现出来了吗？这样的理解就过于单一了，音乐是由多方面因素构成的，我们常常在谈论音乐的时候说，演奏时一定要有颗粒性及线条感，那这些元素从何而来？由此引出我们今天所要和大家共同讨论的话题，“气息的运用”。

“气”在中国的古典文学中指的是最细微而流动的物质，这种流动的物质是在运动中产生的。“其实内部储蓄所运之阴力，是外表不可见却在体内运行之力。气息的运用在很多乐器中是必不可少的。在吹管乐中，没有气息就没有声音。扬琴作为弹拨乐器，对气息的把握就更加难了，我们要运用肌肉的联合运动产生，在把其产生的力运到琴键头上，如果力在传递时受到阻碍，这就会导致肌肉的紧张，从而破坏了音乐的表达。

气息在扬琴演奏中的把握与运用，影响着演奏者对乐曲的理解和对音乐的陈述。从而影响着演奏之头等境界―“气韵”的贯通。有些扬琴演奏者技术上已经达到一定水准，但气息运用不畅通，导致演奏的外在与内在的不协调，音乐缺乏内涵，不能打动观众。在演奏中，调整和运用好气息是十分重要的，气息是与身体动作相辅相成的并且还有一定的调节作用，使手，臂等各个环节都做到协调统一。

可见气息的重要性对于扬琴演奏的帮助不可忽视，我就几个方面谈谈我自己的练琴心得，与大家共勉。

一、气息的贯通是放松的表现

无论从事任何的音乐表演都会存在放松这一现象。放松能够让我们更好的发挥演奏。每当我们在练习的过程中，发现状态不理想或练习没有达到自己预想的，技术总是有所限制，这也就可以说明练习者的放松也没有得到解决，更多的情况是手臂没有放松。但是怎样才能做到放松，怎样才是正确的放松？我们常常把放松认为是垮，其实放松也不是毫无限制的放松，而是控制的放松。这句话听起来似乎有些矛盾，在实际的运用过程中我们必须做到这一点，才能使我们所演奏的音质更，发音更结实，才能做到真正意义上恰如其分。

在扬琴中我们有如何做到放松呢？我们就要谈到气息。气息和演奏动作是否配合得当对演奏和艺术表现有很大的影响。呼吸的不顺，演奏必然会拘谨而生硬。我们有相应的解决办法。例如，我们在练习和演奏的时候，先调整好心态，再做深呼吸，使气息有所下沉，手臂自然下垂，让全身处于松的状态，如果是太紧张的情绪也会得到相对的减弱，再提起大臂，肘关节，小臂，手腕，这些都是连带关系，同时协调共同完成动作。然后是击弦，击弦就是对力的释放，气息也就随之而出，该呼和该吸时，要做到心中有数，与手臂协调好，做到相一致。

二、气息在乐句中的作用

演奏者在演奏过程中的气息运用，既要符合演奏者自然的生理规律又要注意乐曲进行中句逗的划分，一定要在适当的地方换气，呼吸。句逗划分的正确，会影响气息和流畅。如果句逗划分不正确，气息不能进行适当的调整和控制，音乐的叙述也就会受到影响。例如，扬琴作品《古道行》的引子部分，演奏手法为抓弦与泛音的结合，表现意境自然空旷，喻示在苍茫的丝绸大道上的荒凉景象。这一段看似很简单，只是几个音符，但需要表达的意思很是深远，要表现出空的感觉，演奏时就要注意气息的把握，适时换气，带人进入音乐中。全段分为四个乐句，每一句都有各自的表达意思，在演奏的过程中，要注意气息与音的连接，颗粒的饱满，语气的缓和，所以，我们在乐曲的演奏中一定将呼吸的大小和轻重良好的运用，帮助音乐演奏完整舒畅。

三、扬琴演奏中气息运用中所表现的音乐之美

一个演奏者所演奏的音乐有无感染力，与气息有很大的关系。气息的运用对所奏音乐的音色、节奏、力度、速度等主要艺术表现手段都有着密切的关系。如果在演奏中不注意气息的变化，那么，这样的演奏就会显得平淡而缺乏表现力。在扬琴的演奏中，同样需要神韵，我们要把神韵进行高度的统一结合表达扬琴音乐，使扬琴音乐达到高境界，符合扬琴演奏的宗旨。我们在演奏作品之前必须要了解作品的历史背景，当然技术技巧是基础，加上我们自身的情感，，气息的贯通，音乐才会体现美。正确的气息运用，才能使演奏动作和精神思想融为一体，奏出传神入画的音乐。气息不但能够调动人的演奏欲望，还能更有效的表现音乐作品的精神和内涵，达到气韵传神。

结束语：我们要意识到气息在扬琴演奏中的重要性，并把它用于我们平时的练习，演奏与教学中。通过演奏者自身，发自内心对音乐的感悟与渴望，让扬琴演奏做到声情并茂，产生出动人心弦的音乐。在扬琴演奏中，气息的作用很重要，当然演奏者自身的音乐素养也很重要，待各方面素质具备后，才有可能成为较为的艺术。

音乐论文 篇二

摘要：在高中的音乐鉴赏教学中，流行音乐是高中生最熟悉和最喜爱的音乐类型，符合他们的情趣和审美观。所以，在高中音乐鉴赏教学中，要把流行音乐因素融入进去，这不仅关系到音乐鉴赏质量的高低，而且关系到学生均衡鉴赏能力的强弱。本文正以此为主线，论述了高中音乐鉴赏教学中流行音乐因素的运用情况，并对其作用和运用方法进行了简要介绍。

关键词：音乐鉴赏；流行音乐；高中生；音乐课

音乐教学是艺术教学的重要组成部分，有利于提高学生的审美能力和艺术修养，帮助他们树立积极向上的人生观和价值观。对高中生来说，音乐鉴赏课不仅有利于他们陶冶情操，而且可以帮助他们从繁重的课业活动中解脱出来，获得休息和放松。流行音乐的元素是高中音乐鉴赏课不可或缺的，这一点应该得到重视。流行音乐具备青春、活力和大众的特点，符合高中生的审美要求，应该加入到音乐教学中。如何更好地运用流行音乐的要素，提高音乐鉴赏课的教学质量，是教育者应该思考的课题。

一、运用流行音乐元素进行高中音乐鉴赏教学，可以提高教学质量，拓宽学生视野

音乐鉴赏教学是艺术门类的一种，应该符合艺术鉴赏“百花齐放，百家争鸣”的基本精神，要融合多种音乐类型，向学生传递最为健康、积极和正面的音乐力量，帮助高中生提升艺术欣赏能力，完善个人素养，促进身心的健康发育和成长。在高中生的青春期阶段，他们大都接触的是流行音乐，包括内地、港台甚至日韩、欧美的流行乐等，这既符合他们的价值诉求，又可以追求青春的感觉，是高中生的最爱。

因此，在高中音乐鉴赏的教学中，要适度地运用流行音乐的元素和内容进行授课，要把学生融入到他们喜爱的氛围中去，让兴趣支撑学习，而不是督促和教导。兴趣是超卓的老师，高中生天真烂漫、青春勃发，正是追求时尚、爱好潮流的时期，流行音乐快乐自然的特性符合他们的心理，自然得到高中生们的厚爱。所以，基于大部分高中生的兴趣点，教师的音乐教学要从流行音乐入手，博取学生的好感，调动他们的积极性，带动音乐鉴赏课的全面活跃。

将流行音乐的因素运用到音乐教学中，可以激发更多的学生自主学习的动力，这确定了音乐鉴赏课的质量。同时，学生因为爱好流行音乐而更加愿意参与到音乐鉴赏课的各种活动中来，在一定程度上促进了音乐鉴赏课的视野拓展，学生们从中也可以学到更多的知识。

二、在音乐鉴赏教学中运用流行音乐元素，结合实际情况，进行深入辅导

高中的音乐鉴赏课教学，要包含多种多样的音乐种类，既要有一般的古典音乐、民族音乐，还应该包括流行音乐和其他的音乐类型，这样才是一个完整的音乐教学体系，才能促进学生的均衡发展。要想准确地运用流行音乐促进音乐教学课的发展，就必须做到“结合实际，深入辅导”。

所谓“结合实际”，就是要把学校、学生和课业的实际情况弄清楚，根据现实状况进行教学，而不是盲目的“一刀切”。例如，在普通乡镇的高中，音乐鉴赏课的分量和课程含量都不太高，这样的话，就要根据实际需要，适度地引入流行音乐的教学因素和方法，最大限度地激发学生的学习热情和动力，确定在有限的课时内提高学生的音乐鉴赏能力。要注意结合学生的实际情况，选取那些学生耳熟能详的流行音乐作品，引入到课堂教学中，必然可以引起学生们的兴趣，也让课堂活跃起来。比如，现今绝大部分高中生都会喜欢的歌手如周杰伦、陈奕迅、SHE、汪峰等，将他们的经典流行作品带入到课堂鉴赏中，会让学生“群情激奋，欲罢不能”。比如鉴赏课上，可以设计一个“中国风”的流行音乐讨论主题，教师可以给出诸如周杰伦的《青花瓷》《东风破》《本草纲目》等曲目，让学生们参与到课堂讨论中，甚至可以让学生当堂献唱，然后由教师和大家一起进行评点，最后总结出“中国风”歌曲的精髓。

所以，在类似上述的音乐研讨专题中，引入流行音乐的歌曲进行鉴赏，可以激发高中生的讨论热情，活跃整个课堂的气氛，促进教学鉴赏质量的提高。在类似的专题辅导中，教师可以让学生自由发挥，然后节末进行总结和剖析，要让高中生们对流行音乐“一分为二”地看，不仅要“知其然”，还要“知其所以然”。要把流行音乐中好的部分拿到音乐鉴赏课上进行推广和普及，也要对那些“糟粕”的作品进行评点，使学生们分清优劣，注意吸收那些对自己成长有利的“营养”，而摒弃掉那些不利于学习和成长的因素，这或许也是流行音乐运用于音乐鉴赏课的一个目的吧。

参考文献：

[1]王萌。让流行音乐在音乐课堂中响起[J]。剑南文学（经典教苑），2011(7)。

[2]段婷婷。京剧走进中小学课堂的意义[J]。大众文艺，2011(10)。

浅谈音乐对人类生活的影响 篇三

有时我们走在大街上，音乐总会源源不断的进入我们的耳朵，当旋律欢快的时候，就会有一种跟着节奏走的冲动，那时候的状态充满着激情和对美好生活的向往；而还有一种就是，会让你想起已经经历过的痛苦与哀伤，本来平和的心情一下子又被低落所占据，这时候就会想音乐到底是一种什么神灵？它会时不时的牵动着我们的思绪，试想一下：假如生活中没有了音乐，那我们该有多么的空虚与无趣……。所以，在这里想谈谈音乐到底有什么样的魅力。

一、教育方面

记得以前读过一本书，叫做《晋书乐志》，里边一段是这样写的：“是以闻其宫声，使人温良而宽大，闻其商声，使人方廉而好义，闻其角声，使人倾隐而仁爱，闻其徵声，使人乐养而好使，闻其羽声，使人恭俭而好礼。”这里边的每个字都透露对音乐的向往和赞美，因为她可使人变的有修养和具备一些好的品质。那些高雅的音乐总会净化人的心灵，给人以美的享受，就在这时我们的情操得到了陶冶，在欣赏音乐过程中，受音乐作品本身魅力的感染而产生共鸣，从而积累丰富的审美体验、审美情感，使人情感丰富，情操高尚，心地纯美。在今天，商业广播及电视及流行歌曲等，正侵入儿童耳中，以令人生疑的哲学、低下的道德标准及非__的价值观来影响儿童的心灵。我们同样的应该使用这些传达的媒介，来让儿童的心灵及生活充满真理，并教导他们以言语表达对神的爱及对人的关怀。由于音乐具有带给人们喜悦经历的特性，使得音乐成为满有功效的教学器材。当有些事情做起来满有意思时，就很容易学习，而且也易于记得。音乐可以丰富布道事工。儿童常因为对教会活动的特别兴趣，而被吸引到教会，这些活动可能是教会休闲活动、手工艺班以及音乐。以上任何一项活动都是有价值作为与儿童初步接触，并带领儿童信主的途径。当儿童被音乐吸引时，与教会同工接触的机会就出现了，而且进一步面对救恩的信息。

二、精神方面

音乐是人类共有的精神食粮，当很欢快的时候，我们会手舞足蹈，当我们非常悲伤时，一曲婉转动听的又会使你心旷神怡，烦恼忧愁顿时烟消云散。。。。。。现在有两种状态使我想起来感觉很震撼，对于女孩子来说，或许看电视剧是很多爱好中的一个，在很多催人泪下的剧情中，或许当时的情节不至于让你哭，罪魁祸首就是那致命的音乐，一刹那间会让人心痛的崩溃，这是一个感觉，还有就是在恐怖片中，我很佩服那些配乐的老师，冷不防的给你来个极不和协音程或和弦，让人吓的魂飞魄散，有时候就在想，假如没有了音乐，那悲情剧会不会成为喜剧？大家应该也都知道钟子期和俞伯牙的故事吧？当时在那种情形中，音乐对于它的行为者来说，讲究的是意境，目的是灵魂的升华，那种试图将自己的心和身往返于红尘与彼岸之间的升华。那种意境是纯净的，也是朦胧的，那种升华是没有功利的，不俗世的，因为她是脱俗的。前几天读过一个小故事，里边有个人是这样说的：“曾经有一个晚上，我听完贝多芬《月光》后，坐在床上痛哭，悲痛欲绝。”随着时代的进步，生活的节奏也跟着加快了，所以在学习或工作疲惫了的时候，可以听听舒缓的音乐，让身体放轻松，好的音乐可以纾解压力，避免因自律神经紧张失调而导致慢性疾病的产生，敲开封闭的心灵，纾解忧郁苦闷的心情，甚至音乐还可以做到某些程度的心灵治疗。这时可以听上一首贝多芬的《田园交响曲》，那清新、和谐、柔美、明朗的旋律，仿佛将人们引入鸟语花香、树林草地的田园境界中，呼吸着新鲜的空气，欣赏着大自然美妙的景色，在不知不觉中放松了紧张的情绪，陶醉在优美的音乐旋律中，使人的心灵得到了净化。冼星海的《黄河》，写出了当时社会生活的现状以及广大人民的心声，作者的创作意图是希望在抗日战争时期，激发起人民对中华民族的热爱和誓死保卫家园的民族意识。虽然其创作年代已与我们相去甚远，但那奔放、豪迈、铿锵有力的诗句和强烈的情感，至今读起来仍然能引起我们的共鸣，唤起我们作为中华民族炎黄子孙的自豪感。想起那令人心血澎湃的旋律，好像我也在战场浴血奋战，这就是音乐的魔力之所在，她会让我们的血液里边都充满着豪情壮志，在那个时期好多好多的音乐作品在谱写各种各样珍贵的品质，以至于现在欣赏起来仍然感受颇深。还记得一首大家都很熟悉的歌曲《爱的奉献》，每当这首歌在哪里响起，总会唤起人的本性，那就是善心，音乐她就是这么神奇，激发出人的各种情感。

三、情绪方面

情绪对于我们每个人来说非常重要，好的情绪会让你对生活充满希望，这时是一个朝气蓬勃的你；反之，会让你情绪低落，对什么都失去兴趣，这时就会出现一个好帮手，那就是听听轻柔的音乐，使你的心情趋于平和，从而有一个良好的音乐能影响人的情绪，它也体现在人生理上的反应。研究表明良好的音乐既能消除人的不良体验，也能扩大其感受、感觉和体验的领域，又能使听音乐过程中出现的思维结构得以提高。因此大多数学生可依据这些原则进行音乐调节。由于音乐能影响人的生理及心理活动，特别是情绪活动。因此，人们就能够用音乐来改善和调剂人体的生理和心理功能，进而达到治疗疾病、增进健康的目的。

音乐在我们的生活中无处不在，她时时刻刻影响着我们，能给忙忙碌碌的日常生活平添几分飘逸和诗情，当我们在外奔波了一天，回去放一曲莫扎特或舒伯特的轻音乐，顿时满身的疲惫得以驱除，还给你一个舒心的世界。音乐欣赏是极富幻想的，它可以使人超越一切。人在现实世界里有种种烦恼、忧虑，人会感到自己的渺小与无助，而音乐却能让人超然物外，让我们在音乐的世界里感受她的博爱，她给我们的震撼！

音乐学论文写作 篇四

摘 要：在王耀华先生所写《音乐学论文写作的“滚雪球式学术积累”》一文中， 作者告诫万千学子， 要将音乐学论文写作的过程当成学术积累的过程， 可谓是给困惑中的学子们点亮了一盏明灯。在音乐表演中同样需要这种“滚雪球式”的积累方法， 表演者通过独特的个性创造积累、二度创作中音乐文本解读与再创造的积累、音乐协调能力的积累和稳定的心理素质的积累， 使表演逐步做到收放自如、生动感人。

关键词：音乐表演； “滚雪球式学术积累”; 重要性；

一、引言

王耀华先生鉴于自己在教育教学过程中的切实感受和体悟， 写作了这篇《音乐学论文写作的“滚雪球式学术积累”》, 提倡应该把音乐学论文写作的过程当作学术积累的过程， 并提出从学科理论构架、专题性理论及相关资料、研究方法、论述角度和论述方式四个方面去入手进行所谓的“滚雪球式”积累。[1]所谓“滚雪球式”积累过程， 即在音乐学研究中将每次的研究成果看成一个小雪球， 十次乃至数十次研究下来， 小雪球们逐渐汇聚成大雪球， 而数百次下来， 大雪球便可堆积成一座小雪山， 如此循坏往复。

音乐表演作为“音乐创作”与“音乐欣赏”间的桥梁， 其重要性不言而喻。音乐表演艺术家试图将自己对作品的理解通过演唱或演奏的方式， 最为精致和的呈现给观众。音乐作品是对某个特定历史背景或某个典型艺术形象的高度概括， 音乐表演并非仅是奏响音符， 它是对作品内容与形式的二度创作， 对艺术形象的深入挖掘和意境的升华。笔者认为“滚雪球式”的积累方法对提升表演者的音乐表现力有相当重要的作用。

二、独特的个性创造靠积累

(一) 表演者个性与共性的统一

音乐表演是个性与共性的统一， 对作品的个性化创造始终不能脱离该作品内在的规定性， 个性须寓于共性之中。就创作者而言， 艺术作品的创造与其自身的生活经历息息相关， 创作本身就是其个人对生活的感悟和个性的释放。表演者也有其自身的生活阅历的积累， 表演的过程也是一次对作品进行个性化诠释的再创造。表演者需依据作品本身来决定表演的整体框架和风格， 比如在钢琴演奏中， 需遵循作曲家原意， 不能歪曲了表演风格， 这是所有表演者都必须遵守的“共性”规则。

(二) 不自觉积累与自觉积累的结合

1. 不自觉积累。

所谓“不自觉”, 可以理解为“无意识”, 是在日常的生活实践中不会被主体自觉意识到的一种非理性现象。[3]这些无意识的非理性现象次的刺激人的大脑， 使得某种抽象的感觉被不断， 作为一种思维定势沉淀在人的无意识深处， 融入在人的潜意识中。不仅如此， 环境对一个人的成长有着至关重要的作用， 环境决定论认为人类的身心特征、民族特性、社会组织、文化发展等人文现象受自然环境， 特别是气候条件支配。自从人类社会产生依赖， 自然就已不再是原初的自然， 而是历史的自然；历史也从此不会是单一的历史， 而是自然的历史。以俄罗斯为例， 其国家整体音乐氛围浓厚， 音乐教育系统发达， 普通民众对古典音乐和民间音乐文化都有相当的了解， 国民的整体音乐素养很高。

2. 自觉积累。

“自觉”的积累应该从理论、技巧、情感表达和舞台表演这四个方面去理解。首先， 对理论知识的学习应该伴随表演者学习的整个过程。技术技巧理论知识的学习、音乐理论知识的学习、作曲技术理论知识的学习、舞台表演理论知识的学习应该作为表演者的终生学习内容。即在演唱演奏中， 深入了解作品的创作背景、创作思想都能够从宏观上提升表演者对作品的认识， 以对作品进行更好的诠释， 提升作品的表现力。其次， 技术技巧是表现音乐的前提和手段， 表演者需要在学习的过程中不断提升和打磨， 在不断的学习过程中逐步积累。以钢琴弹奏艺术为例， 钢琴技术和技巧也随着作品和乐器的变化在不断创造中， 不同作曲家的作品需要不同的演奏技巧和触键方式。再次， 作品情感的表达需要不断积累。表演者自身要具有丰富的情感体验和感受能力， 在演绎作品的过程中需要对作品深入理解并结合自身感受来进行诠释。在平时的学习中， 表演者通过不断的模仿、揣摩、想象、创造去积累这些情绪的表达方式尤为重要。

三、二度创作中音乐文本解读与再创造的积累

表演者把谱面的标记转化成演奏的音符传达给观众需要“二度创作”, 这就是对音乐文本的诠释过程。这个过程既要忠于对文本的准确诠释， 同时表演者又具有创作自由。

在二度创作时， 首先会涉及到如何对音乐文本进行解读的问题。音乐文本是一种动态的文本， 存在于特定的历史时期， 自身具有其背景和上下的语境， “文本的解释过程， 实际上是一个必须从文本及其相关的语境中去寻找意义的过程， 这一相关语境， 一层是文本内部结构之间的关系；一层是文本与其实践主体及其历史背景之间的关系。”

在二度创作中， 表演者对诠释过程中“度”的把握， 也就是个性的把握。音乐文本虽然是理解和诠释音乐的基础和前提， 但表演者具有自我意识， 能够根据自身的条件及个性找到适合自己的表演方式， 因此二度创作都会带有表演者的主观创造性， 乐谱仅仅只是一个提示。同时还要兼具表演者自身的个性， 这个过程都需要在学习和积累中不断的研究和探索。

四、良好的音乐协调能力靠积累

(一) 表演主体与乐器的协调

在表演过程中保持身体与乐器之间的协调是实现良好音乐表现力的基础。对于器乐演奏者而言， 身体动作的合理性是影响演奏协调与否的关键因素。躯干、臂、腕、手和脚等一系列的动作需随着音乐而动， 演奏者要设计合理的动作来表现音乐的走向、起伏， 通过一系列的配合找到最省力的动作和最合适的音色。演奏者不仅要表现出音乐的横向线条， 还应该表现出纵向和声。对于演唱者而言， 自己的身体就是乐器， 所有的发声器官包括嘴、胸腹、气息均需做到良好的配合和协调。这些都需要在长期的学习中有意识的逐步完善自己的技术。

(二) 表演主体与音乐表现力的协调

表演者始终要与音乐的内在规定性协调一致， 具体表现为音准、节奏、旋律、情绪等方面的处理能力。对于表演者来说， 做到以上这些是最基本的要求， 在日常训练中， 就是要打好基本功、提升音乐表现力和表达出作品情感。在长期的学习和积累的过程中， 表演者不仅要准确做到谱面上所记录的音乐符号， 还应该透过音乐文本分析， 通过有乐感和感染力的表演传达出音乐的内涵， 不断提高表演者对音乐的敏感度， 把握不同的音乐情绪。在学习过程中， 对音乐文本的正确解读和准确演绎要靠年复一年的积累， 表演者通过反复分析、推敲、聆听、模仿和再现， 直至实现个性的创造， 这些都需要一点点来积累。

五、稳定的心理素质靠积累

要克服“怯场”这一不良心理， 表演者首先要不断加强自己的基本功训练， 做好充分的准备以增加表演的信心， 在一遍遍练习过程中找出自己的问题， 并分析出原因， 反复尝试去找到正确、合适的练习方法和表现方法。其次， 表演者还可以经常参加演出实践， 使自己在心理上逐渐适应有压力的环境， 这也是减少和避免临场紧张的一个途径。如果在表演中出现某些小纰漏， 一定要镇定自若， 把小错误对表演的影响减到较低， 以确定表演的整体完整性。最后， 表演者在平时的练习过程中需要培养自身良好的心理品质。音乐是情感的艺术， 表演者一旦情绪受到外界的干扰或冲击， 就很难聚精会神的投入到音乐情境中去， 因而也会大大削弱音乐的表现力。

六、结语

音乐表演者功力的“滚雪球式”学术积累， 需要从一点一滴做起， 一位优秀的表演者不仅需要良好的教育背景， 更需要不断提升自身对生活的感悟力， 历经岁月的沉淀和磨练， 终将音乐中最纯熟的技巧和最深切的感情溶于一体， 将最美的音乐表演传达给听众， 达到心灵深处的共鸣。

参考文献

[1]王耀华。音乐学论文写作的“滚雪球式学术积累”[J].中国音乐， 2016, (04) :67.

[2]王耀华。音乐学论文写作的“滚雪球式学术积累”[J].中国音乐， 2016, (04) :67-68.

[3]施咏。中国人音乐审美心理概论[M].上海：上海音乐出版社， 2008:44.

音乐论文 篇五

摘要：加强青年学生音乐教育的可行途径

关键词：音乐教育类论文

一、加强青年学生音乐教育的重要性分析

随着素质教育的不断开展深入，音乐教育在青年学生的综合素质全面发展中具有很重要的推动作用。

首要，加强青年学生的音乐教育，能够扩大学生的视野陶冶学生的情操。音乐艺术的创作，因不同地域、不同时期和不同情景所表达出来的情景和感情都是各不相同的，因此加强青年学生的音乐教育可以使学生体会到课堂之外的地域特色和风土人情，能够开阔青年学生的视野。并且好的音乐作品还有着一定的现实功用。现在研究得知，不同的音乐还能够对人的性格有一定的影响，例如舒缓的音乐能够环节人们焦躁和消极的情绪，激昂的音乐能够起到一定的鼓励作用。因此在青年学生的教育工作中加强音乐教育能够有效培养青年学生的高尚品德和积极的性格从而陶冶青年学生的情操。

第二，加强青年学生的音乐教育，能够开发青年学生的智力，提升青年学生的审美观。科学研究表明，音乐艺术能够调解人大脑左右半球的活动节奏，使其更加协调的运行。因此加强青年学生的音乐教育能够使青年学生发散性思维得到开发，并且音乐艺术所具有的创造性不仅仅能使人感到身心愉悦还能够促进智力的发展，提高青年学生学习的效率。除此之外，音乐的教育功能使其具有净化人心灵，从而端正青年学生的行为，提升他们感觉美、欣赏美和创造美的能力。其品格不断完善，审美观念也不断得以提升，反过来还能促进社会精神文明建设的进程。

二、目前学校对青年学生音乐教育的现状

自从教育体制改变以来，越来越多的学校认识到音乐教育的重要作用。但是从整体来看，我国学校对青年学生的音乐教育仍存在一些亟待改进的缺陷：

首先，学校对音乐教育不够重视，音乐教育的课时比例较少。目前国内大多数学校的音乐教学课时比例偏少，而音乐也是一门比较庞杂的知识体系。过少的课时使老师根本不能系统全面的讲述音乐知识体系，并且青年学生也难以全部掌握住需要掌握的乐理知识。由于学校对音乐教育的不够重视，并且音乐教师难以对各种音乐领域全部有所涉猎，因此在知识的专业素养和知识的教学深度和广度都有所限制，导致不能满足学生在音乐教育中对各类音乐的求知欲。

其次，教学内容和教学方法缺乏针对性，音乐教学目标难以完成。很多学校因师资受限的原因并不能按照国家规定的音乐教育计划进行相应课程设置，而课程设置的变化必然影响到教学方针和教学内容。这样就会导致学生难以学到应有的知识，不能完成教学目标的同时，还会造成青年学生对音乐教育的逆反心理。

三、加强青年学生音乐教育的可行性途径探讨

1、增加音乐教学的课时比例，注重对音乐教师队伍的拓建

学校应该加强对音乐教学的重视程度，因为音乐艺术的学习并不是一蹴而就的。因此学校应该增加对音乐教学课时的比例，并进行阶段系统性的音乐教育，使学生能够逐渐的加强自己自身的音乐修养。学校还应该对音乐教师师资队伍的建设，定期举行音乐教师的专业知识考核，使音乐教师的专业素养不断得以提高。音乐教师也应该对不同的音乐类型和音乐知识有所研究，以便于扩展学生的知识面。直接的提升教学，促进学生综合素质的发展。

2、变革传统的音乐教学模式，加强音乐教学方式的多元化

针对目前青少年音乐教育的不容乐观现象，学校应该转变以往传统的音乐教育方式。这就需要学校重视起学生音乐艺术能力的基础教育工作，从而建设一个系统完善的音乐教育体制制度，也能提高青年学生对音乐教育不会感到太过突兀，并且还能够提高学生学习音乐的信心和兴趣。在这个过程中，音乐教师也应该不断的提升自己的专业教学素质，在音乐教育的过程中要使用多元化的教学方式，针对青年学生的兴趣爱好进行教学。从青年学生喜爱的音乐中选取比较有代表性的，从视听、鉴赏和交流这个过程使青年学生能够从中了解不同国家、民族的独特文化。并通过对音乐作品的深度解析，使青年学生能够汲取其中的精华，从而使学生在音乐教学中树立正确的三观意识和积极健康的审美情感。

总而言之，音乐教育对青年学生的综合素质教育有着不容置疑的重要作用。它能够丰富青年学生的内心情感，使学生在增加艺术修养的同时还能够加强学生的文化内涵。注重对青年学生的音乐教育，在提高学生审美观念的同时，还能够陶冶学生的高尚情操，从而促进青年学生的身心和谐发展。因此，学校应该充分重视起音乐教育的重要功能，借音乐教育的作用来加强学校的素质教育，这对加强社会主义精神文明建设有着重要意义。

音乐学论文写作 篇六

城市是商贸、消费、教育、服务的集聚体，在城市化进程中，对区域内公共文化服务、有偿文化消费的需求分析，是城市合理构建与发展的基本保障之一。这就需要研讨该城市一种“在地性的”公共文化体系的构建方式———有关她的过去、现在与未来，探讨文化如何继承并在此基础上得到滋养与发展，并纳入区域规划。大规模的城市体，也意味着是高等院校的集聚之选。高等院校的建筑群落，作为大型公共建筑的同时也常常被作为文化性地标，她们在现代城市发展的多层次建构中，占据着比较重要的席位。浙江音乐学院作为典型的建设案例，无论从建筑设计，校园景观营造，还是校园公共艺术与公共导视系统设计等各方面都体现出了文化艺术特色。该项目的理念与设计实施，尤其是其力求作为浙江文化地标的诉求，其对城市环境的创造性手法，都值得我们展开分析。

1、地景构建———山居

在谈到浙江音乐学院的建筑与规划之前，我们先把规划分为两种类型。一类，就是在当今城市规划建设中，多以“三横三纵”“一圈一轴两线”等为概念模式的规划。在此我们将其命名为“蓝图式规划”，即考虑各区域安排中，人群进行各项活动时的效率因素。在各区域的人群活动功能定位基础上，配比空间、能源、交通……以上这些都重在考虑实用、高效、便捷。这类习以为常的规划与思考模式，源于第二次工业革命时期的福特汽车工业流水线。即通过计算与分工，将各功能区域匹配在快速运转的工业流水线上，它集中体现了生产方面的集约、高效。从此，直线纵横的结构方式也就成为城市发展规划的范本。功能主义生产方式类型的城市建设，使得在一般的城市区域内，建筑成行排列，环境成为穿插其间的附属物。另一类，区别于“蓝图式规划”的，则是更加强调历史性积累的建设规划。此类规划的成型，从山、地、河流的地理条件约束开始，随着人群传统生产、生活的发展与变化。

随着时代的变迁，产生了与生活、风俗、历史等更多相关内容相联系的建设成果呈现。这类成果更为生活化，具有丰富的地域性和具备文化意蕴。我们在此称其为“有机生成式规划”。浙江音乐学院在规划与建筑设计、建筑与环境设计方面，对前两种分类作出了综合性的考量与应答，在规划设计中因地制宜地提出了地景的概念。即参照上述“有机生成式规划”，在考虑功能安置的基础上，追求表现方式，力图产生有机的、劳作中的、一种与自然环境相互结合并充满生命力的地景。所谓地景，自然景观与建筑的融合可粗略的分为有机可生的地景概念和设计性的地景概念。有机的，又称作劳作中的，是一种与自然环境相互结合，充满生命力的地景，对应前述“有机生成式规划”概念；而设计性的，是一种人为营造的，让“自然”努力适应建筑的地景，也出于前述“蓝图式规划”概念。虽然设计性的地景在初步成效上可能会更让人耳目一新，但是无论从建筑还是环境的自身生长发展来看，有机的结合可能是更合理的选择。

自然融合形成的地景概念主要由两个因素组成，即外部环境与建筑本身。而两个因素融合构成的地景概念也因此主要体现在三方面：选址环境(包括对于环境的利用、保护、破坏情况)，建筑本体(建筑形制与构成)，以及两方面考量的综合处理，相互融合。因此对于音乐学院建筑的地景面貌分析就可以依据这样的逻辑来进行。建设中的浙江音乐学院，建筑群有机地融入群山环抱的地形环境中。

(1)其外———山水环绕，因形就势。音乐学院选址转塘镇象山，群山环抱，曲水蜿蜒，环境宜人。音乐学院落成的思路也紧扣“钱塘山水，富春山居”的地理意向，充分保留原有地貌形态，在满足功能的同时，保留更多原生态储量。从基地原有的自然肌理上，梳理出“经络”，依脉络布局来“生发”建筑，既不会破坏原本的自然环境，也让在自然中的音乐学院有着更旺盛的生命力，这一点无论对于学校还是音乐、艺术这样的概念来说都无疑是十分宝贵的。

(2)其本———庭院错落，面貌纷呈。由环绕的道路与水系，串起每一处聚落式庭院建筑。建筑依各教学院系的专业取向各呈面貌，大型教学建筑中，穿插廊道、亭榭，从而造就出层次丰富、多彩纷呈的艺术气息。建筑的材料与取色尽量贴近中性色彩或原色，减少了工业与人工的冰冷感，使得建筑面貌更加原生态，更好地与环境有机结合在一起。

(3)其间———有机地景，相辅相生。造校园不止在造屋，更重在造境。将景观按公园、庭院理出层级关系，从草坪林带、果林到院落园景与花池矮垛；从开放包容的户外逐渐到隐秘独享的中院；从疏朗大气的共享性到宁静亲切的相属感，既可眺望期盼，也宜于凝神思索。这样的环境与造景，使得在环境中的人，产生不同的情境体验，浙江音乐学院夜景，两个建筑单体与地景相辅相生。

2、公共层级———音院

公共性建筑的另一大要点在于“公共性”。简单的三个字，却是指人与人交流活动的不简单。人的成分越复杂，交流越多样，越需要这个公共场所中可能涵盖更为丰富的公共层级。而公共层级越丰富，建筑所要承担的功能性职责就越复杂。在设计环节中理清这些层级，可让空间在公共性的建立上产生更多的积极作用。

2．1校园公共层级的分析

校园无论从物质还是从人的角度，都存在着大量的不同环节的公共性问题。如何来为复杂的校园中的公共关系进行层级划分呢？公共层级的划分依据是明显的人群关系，校园中的关系是教师与学生、学生与学生、教师与教师。大学校园不仅包括教学活动，还有一大块是学生及部分教职工的食宿生活，因而在校园内部环境里还有后勤、医疗、管理、服务等人群，增加了人群关系的交集选项。但无论如何复杂、如何细分，它们都是在校园环境内部，即小环境内的面对面的一种日常生活层级的公共活动，即校园层级的公共性。对比日常的、内部的层级，则是对外的、校园与社会之间发生的城市事件，即社会层级的公共性。这样的人群交流会更加多样，如学生家长的参与、学生校际间同学朋友的活动，校园招聘活动，各类社会实践或者公益活动，甚至是学校的教学成果(尤其是音乐学院独特的教学内容，诸如音乐会、各类戏剧类表演、艺术展示交流等)对社会的展演等。这种社会性层级的活动就不再是校园内部的了，而是面向城市，甚至面向国内的、跨国的、国际性的，处在无限放大的公共空间中，它们甚至是很抽象的互动交流，早已脱离了面对面而具有的影响。基于从校园层级与社会层级两个大样，开始一系列对于校园公共层级的梳理，接下来对于每一层级的公共性活动在音乐学院这个实践环境中的具体体现及应对措施，就可以有一个相对具体的分析与说明。

2．2音乐学院校园公共层级问题的应对

依据上文分析的公共层级分类，首先来看日常层面。南区学生公寓周边对应学生服务的生活区广场街道设计，提供了解决学生日常生活的必需品超市和活动空间。艺术工程学院与文化管理学院、人文学院相连设计，建筑各体量间的夹角空场也为非表演艺术的师生提供了休憩、活动的主题性场所。北区戏剧学院与舞蹈学院共享的活力中心，为表演类学生提供了晨练、小型表演活动的场所。中心广场和景观湖则为音乐学院的学生提供了交流和情景相融的有效练习场地。然后，从社会层级来看，学院作为音乐教育场所的特例，舞台表演、露天表演以及媒体宣传等多方内容的要求被植入设计的诸多环节，使开放性和自由交流均得以展现。南北两个主入口，即北入口七玄汇音广场和南入口水乐礼泉广场，是带有音乐特点的大型公共空间，作为浙江音乐学院的外形形象与入口形象。入口，是外来者首要眼的感受，也是离开者最后的印象。它意味着频繁往来者最熟悉之形，是精神家园所在。前来了解学院的社会各界人士、学生、家长，参加每年艺术招生考试的考生，音乐学院的毕业生典礼，或许都会将这里作为合影留念的地方。南区的下沉式体育广场，一方面承担着在校生日常的田径、足球等体育运动，年度运动会等大型活动；另一方面，下沉式的看台，结合体育馆为背景的主台设计，使其成为能够接纳社会大型公共活动(如西湖音乐节等)的可能场所。北区山音剧场是音乐学院面向社会服务的音乐厅、剧场和影剧院所在的位置。这里必将成为未来社会活动及校园活动交集丰富的场所。中心欢跃音阶广场是音乐学院独有的公共广场空间。音乐与表演专业在民间有着在露天公共场所表演的传统，艺术成就了场所的文化性与公共性，欢跃音阶广场则为艺术形式的传统在场所上给予条件。整个园区规划中，各个分院在一楼独立设置文化展馆：音乐学院、戏剧学院、舞蹈学院、艺术工程学院、文化管理学院与人文学院各具特色的展馆，展现了各自艺术学科领域的历史脉络与文化，并从整体上相互联系，构建起浙江音乐学院这所“音乐的博物馆”。

3、灵活开放———多义空间

如果从领域上来看，前述两个问题———建筑与景观和公共性层级划分———前者是纯建筑学的问题，后者则是任何学科都可参与、都不得不参与的共同性问题。如果前者还可以通过与自然科学相结合的方式利用设计进行基本的解决完成，后一个共通的问题却是设计需要克服局限来努力筹划的。如前所述，公共性层级的划分是依据人与人活动来进行的，是人的问题，而前期这个问题的最终成果，也是参与到其中去的人。设计作为一个直接与物质环境相联系的存在，前期只能对解决问题提出一个假设、条件、可能性，这却恰恰是现当代设计的一个不可放弃的任务。当设计从艺术中分离出来成为一个独立的学科开始，它的身份就不再是一种单纯的技艺、工具，而是拥有了自身的思考和灵魂。现代设计的指向性并不是直接解决问题本身，而是提供一些可能性，即在功能性设计目的中添加可能性。这里提到的“功能”不是狭义功能主义概念中的那个同音词。在建筑设计，尤其是公共性建筑设计中，单个场地符合单个功能条件是低级的、机械的、落后的功能主义；而多义空间，才是现代设计理念中的核心概念。空间在新一代的设计师手中拥有了多元性、混合性、复杂性和更多的可能性的特点。建筑物是死的，但是其所承载的功能与职责这些牵扯到人的内容却是活的，僵硬地划定区域单一职能的设计思路在面临开放社会的开放性时显然落伍。因而在新空间定义下，对于空间的多重利用以及对场地的重新诠释也是音乐学院建筑与规划的闪光点。例如：中间区域林荫休闲花园中的音谷云廊，结合钟楼的设计，为学生提供了遮风避雨的休闲空间。云廊南北兼顾的均好位置，也将成为未来公共信息发布的中心位置。它可以承担新生报到、学生会纳新、校园招聘会等活动并作为其内容信息平台。北区戏剧舞蹈楼之间的古台新韵，是将老戏台在此复建。既活态地保护了非物质文化遗产，也为学生与社会表演团队交流实践提供了平台。学生是最富有不确定性的人群，打破死板的框架，撕掉固定的封条，层出不穷的创意与对旧有事物的全新定义本就是艺术类学生的擅长，更是艺术教育所期待他们去做的事情。功能灵活多变的校园与建筑设计寻此线索，为学生们的创、思提供了铺垫。

4、结语

当代的社会是一个分工日益细化的社会，却又是一个在人们潜意识里不断杂糅的社会。设计更是呈现出更多其历史上不曾出现的复杂面貌：多样性，深刻性，等。对于处在当今时代定义概念下的设计环境，公共建筑设计尤其是有着一定特殊地位和传统的校园，在其设计环节将要面临的不再是“符合一般规格的宿舍大小是多少我就来做多少”或者“每个校园的体育场都是按照这个标准来的我也来”这样按部就班的任务了，没有标准是现今设计的语境。如何针对与学校传统以及学校自身教学内容的特性与校园环境的个性化特征，将空间活用、功能提升，并在此基础上提供更丰富更具内涵与意韵的选择，成为校园设计区别以往的着力点。音乐学院在建筑设计一个院校的同时，注重对于散点式成长地域中一个文化单元建设的筹划，对于一个艺术院校独特的建筑设计形式的探索，以及文化点之间文化与地域之间互生的探寻。我们对于浙江音乐学院校园设计的文化艺术特色的分析研究，应该不仅仅是一个关于成果的展示，更是希望能够在艺术性校园建设、文化单元构建及文化区域的影响方面，提供一个更新、更有益的案例参考。